domingo, 10 de diciembre de 2017

Gentle Giant y la obra de Rabelais









Tenía muchas ganas de averiguar más sobre el vínculo existente entre la obra del erudito francés del siglo XVI François Rabelais y un grupo que hace muchos años que admiro: Gentle Giant.

A veces tanta genialidad abruma: por un lado un hombre de una erudición inmensa y de una picardía desbordante como Rabelais, y por otra una banda de rock que se inspiró en su obra para crear una de las formas de rock más cultas y brillantes que dio de si el siglo XX.

Genio a raudales... y el resultado de esa mezcla de antigüedad y de rock, en casos como este me resulta apasionante. Espero que a ustedes también.








viernes, 1 de diciembre de 2017

Movimiento progresivo en Latinoamerica: Genesis de Colombia


Con el nombre del primer libro de la Biblia que nos narra el inicio del hombre en la tierra, hoy llega a nuestra cuna musical una de las bandas más significativas en la historia del Rock latino: Genesis de Colombia. Ellos, en consonancia a lo que indica el libro sagrado, son responsables del inicio de grandes proyectos en el devenir del rock en español con infusiones de sonidos tradicionales, en este caso, marcadamente Andinos. Para mi propósito me detendré en Gene-Sis A-Dios, su primer trabajo de larga duración.



Artista: Genesis de Colombia
Álbum: Gene-Sis A-Dios
Año: 1972
Género: Rock experimental/Folk Rock/Rock Progresivo
Duración: 36:11 min
Nacionalidad: Colombianos


Lista de Temas:



01-MAKA - 0:00 
02-SIGUE TU CAMINO - 2:52 
03-NO SE ENCUENTRA UN JUSTO - 6:39 
04-CARTA DE JUAN - 9:10 
05-LOS TIEMPOS ESTÁN CAMBIANDO - 13:22 
06-NIÑA ALELHI - 16:15 
07-EL HOMBRE DE LAS SANDALIAS - 19:05 
08-LA CASA DONDE NACE EL SOL - 23:00 
09-HERMANA, AMIGA COMPAÑERA - 27:17 
10-ES UNA BELLA MAÑANA - 30:13 
11-A-DIOS - 35:09


Alineación:

Humberto Monroy "Humo"(vocal, guitarra clásica, armónica, zampoña)
Edgar Restrepo Caro (teclados y percusiones)
Federico Taborda "Sibius" (batería)
Armando Narvaez (guitarra)




domingo, 26 de noviembre de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (1ª Parte)

  
La música electrónica tal como la conocen muchos jóvenes hoy es muy diferente de lo que históricamente se conoce como música electrónica. La mayoría de las personas acepta con naturalidad este tipo de sonidos, sin preguntarse cómo se logran, simplemente conformándose con el el efecto que les producen. Bueno, esa es la triste actitud de muchas personas de cualquier edad con cualquier tipo de música.

Existen diferencias entre los instrumentos musicales electrónicos y los que usan la electrónica como parte integrante importante pero no exclusiva de su naturaleza.

Un instrumento electrónico es un instrumento musical que produce sonidos usando la electrónica (energía eléctrica). El mismo se distingue de un instrumento tradicional eléctricamente amplificado, que es parecido a su versión acústica, pero que requiere que la amplificación se realice por medios electrónicos. Los instrumentos mecánico-eléctricos o electromecánicos son los instrumentos musicales que mezclan elementos mecánicos y eléctricos para generar el sonido, como por ejemplo, el Órgano Hammond, Melotrón, el telarmonio (en la imagen del encabezado), la guitarra, el bajo, el violín... eléctricos, etc.(1).
Según esta definición en una fiesta electrónica no todos los instrumentos usados son electrónicos.
Los instrumentos electrófonos son la última familia en integrarse a la clasificación Sachs-Hornbostel, cerca de 1920.

Muchos creen que el Sintetizador Moog fue el primer instrumento electrónico. Pero antes del Moog hubo invenciones instrumentales no tan conocidas. Por ejemplo el Theremin y las Ondas Martenot.

Hubo muchos desarrolladores de instrumentos electrónicos y músicos participantes en esos proyectos, que son considerados Padres de la Música Electrónica. Y de ellos me ocuparé en el futuro. Y como afirma el dicho popular que "Padres hay muchos, pero Madre hay una sola" nuestro tema será conocer a la Madre de la Música Electrónica. En esta serie de artículos comentaremos sobre diferentes instrumentos electrónicos y la intervención de las mujeres en los proyectos de desarrollo y difusión.
Muchos ejecutan el Theremin hoy pero la más famosa fue Clara Rockmore. Aquí la escuchamos interpretando "El cisne", de Camille Saint-Saëns

    



sábado, 25 de noviembre de 2017

Sobre la inversión de los polos magnéticos




Vi mencionar por primera vez la inversión de los polos magnéticos terrestres en un libro de alquimia cuya primera edición fue en 1926: "El misterio de las catedrales" de Fulcanelli. Me pareció una idea descabellada, y di por sentado que provocaría sin duda alguna las carcajadas de la comunidad científica.

Cual no fue mi sorpresa, cuando años después,    leí     que    la ciencia   había
confirmado que hubo varias inversiones de los polos en tiempos remotos, y que es probable que nos estemos acercando a la próxima. Uno se pregunta, ¿Qué consecuencias puede tener un acontecimiento así en la vida de los seres humanos? ¿En qué medida tiene relación con el cambio climático cada vez más evidente, que asola la tierra? Magnetic Fields de Jean Michel Jarre nos introducirá en nuestra investigación...







martes, 21 de noviembre de 2017

El Noble Saber II








los cruceros son monumentos religiosos en forma de cruz, tallados generalmente en piedra. Los encontraremos por los caminos rurales de Galicia y Portugal, los que atraviesan la cornisa cantábrica y Castilla, o en los de Irlanda, Bretaña e Inglaterra. Hoy tomaré uno de ellos como punto de partida para proseguir nuestra incursión en el mundo del blasón y el Noble Saber.








viernes, 17 de noviembre de 2017

Benjamín Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra Op.34 (1945)




Hoy les propongo el trabajo más popular de uno de mis compositores británicos favoritos del siglo XX: Benjamin Britten. Esta obra permite aprender a diferenciar los distintos timbres de los instrumentos que componen una orquesta de forma fácil y amena. Para ello, Britten la compuso en forma de suite, en la que desarrolló una serie de variaciones a partir de un sólo tema. El tema con variaciones es una forma musical usada por varios compositores del siglo XX. Consiste en tomar un tema principal, generalmente sencillo, que puede ser propio o de otro autor, presentarlo al inicio para que el oyente lo conozca y luego exponer las distintas variaciones o modificaciones del mismo.





Artista: Benjamin Britten
Obra: The Young Person's Guide to the Orchestra Op.34
Año: 1945
Género: clásica
Duración: 17:02
Nacionalidad: británica



Estructura de la obra:
01. Tema: Allegro maestoso e largamente Tutti
 Vientos, Metales, Cuerdas, y Percusión
02. Variación A:
Presto 
Flautín y Flauta
03. Variación B: 
Lento 
Oboes
04. Variación C: 
Moderato 
Clarinetes 
05. Variación D: 
Allegro alla marcia 
Fagots
06. Variación E: 
Brillante alla polacca
Violines
07. Variación F: 
Meno mosso 
Violas
08. Variación G: 
Lusingando
Cellos 
09. Variación H:
Cominciando lento ma poco a poco accel. al Allegro
Contrabajos
10. Variación I: 
Maestoso 
Arpa
11. Variación J: 
L'istesso tempo 
Trompa 
12. Variación K: 
Vivace 
Trompetas
13. Variación L: 
Allegro pomposo 
Trombones y Tuba 
14. Variación M: 
Moderato 
Percusión (timbales, bombo y platillos, pandereta y triángulo, caja y caja china, xilófono, castañuelas y tam-tam, látigo)
15. Fuga: 
Tutti, Allegro molto
Vientos,  Cuerdas, Metales y Percusión








jueves, 16 de noviembre de 2017

El Noble Saber








Comienzo con este posteo una serie dedicada a la criptografía de la antigüedad. Abordaré  el simbolismo y la iconología de diferentes culturas, y también los símbolos de la alquimia. Todo ello acompañado por una música sublime que nos ayudará a entrar de lleno en el tema. 
En la ilustración: un heraldo de la edad media.








viernes, 10 de noviembre de 2017

Redbone - The Witch Queen of New Orleans (1971)







Volvemos a tener como protagonista la banda norteamericana Redbone, con otro gran tema que, junto a we were all wounded at wounded Knee los subió de forma permanente al estrellato del rock de todos los tiempos y latitudes.
Un temazo inspirado en un personaje real, que vivió en el siglo XVIII: la bruja Marie Laveau, de la que les hablaré a continuación.





Artista: Redbone
Tema: The Witch Queen of New Orleans
Año: 1971
Género: pop rock étnico
Duración: 3:00 (versión extendida)
Nacionalidad: norteamericana


Alineación:
Pat Vasquez-Vegas / bass, vocals 
Lolly Vasquez-Vegas / guitars, vocals
Tony Bellamy / guitars, vocals
Peter DePoe / drums, percussion







jueves, 9 de noviembre de 2017

Movimiento progresivo en Latinoamérica: Siglo Cero


Posterior a la década de los 70's, en América Latina, algunos artistas venían gestando un movimiento musical progresivo influenciado por míticas bandas tales como Camel, Yes, Pink Floyd y Genesis (por nombrar las más conocidas). En los primeros años del decenio salen a la luz, en distintos territorios del continente, albumes que definen por sí solos la destreza de los músicos: Hoy me detengo en Colombia y presento entusiásticamente a Siglo Cero, una agrupación con visibles influencias Jazzisticas en sus sonidos, esto aunado a los sonidos particulares de la música latina.





Artista: Siglo Cero
Álbum: Latinoamérica
Año: 1970
Género: Jazz/Rock Progresivo
Duración: 33:26 min
Nacionalidad: Colombianos



Lista de Temas: 

01. Viaje I
02. Viaje 2



Alineación:

Humberto Monroy / Bajo, coros
Roberto Fiorilli / Batería, Coros
Jaime Rodríguez / Guitarra
Manuel Galindo / Guitarra
Jaime Rodríguez / Órgano Hammond, guitarra, coros
Edgar Restrepo / Percusión, Timbales
Manuel Galindo / Guitarra
Mario René / Sax tenor, flauta, contraalto
Margalida Castro / Flauta



martes, 7 de noviembre de 2017

Wish You Were Here, de Pink Floyd, en el Teatro Ciego


Esta fue la primera reseña que hice, por invitación de un amigo. En ese tiempo mi Blog era privado porque era solamente para practicar. Así que lo publicó ese amigo como suya en otros Blogs, con mi permiso.
No es un disco nuevo pero marcó un tiempo fundamental en mi vida. Sin embargo analiza una remasterización multicanal de esta obra atemporal. Es basada en una experiencia personal y en una nota de un Blog considerado oficial por Pink Floyd. El espectáculo Teatro Ciego sigue existiendo y se los recomiendo. Creo que no está relacionado con este otro, Teatro Ciego Argentino, tal vez más antiguo.
Tampoco con Hugo Zucarelli, inventor de los Parlantes Holofónicos, que usó ese sistema en la grabación del disco The Final Cut, de Pink Floyd. Aclaro que no me gustan las reseñas largas. Por eso pongo links para que los interesados hagan investigaciones adicionales. La vida es demasiado corta para irse por las ramas. Sin embargo me parece que el análisis hecho en la nota original en inglés no puede ser cercenado. Que disfruten de la lectura.

La última vez que anduve por Buenos Aires mi hija me tenía una sorpresa. Solamente me dijo "vamos para la zona del Abasto" y que "íbamos a escuchar algo". Ah, también me dijo "estoy segura de que te va a gustar".
Llegamos un ratito antes de la audición y mientras esperabamos tomando algo fresco (afuera de un edificio antiguo reacondicionado con mucho arte), trataba de imaginarme con qué me iba a encontrar. Veo que allí funciona el Teatro Ciego. Allí nos recibió Alejandro Cardozo (gran nombre: buena señal) e introdujo al grupo en un cómodo recinto con butacas, anunciando que íbamos a escuchar "Wish You Were Here", de Pink Floyd, en un sistema 5.1... y en total oscuridad. Bueno, me dije, hace un tiempo que no lo escucho. Viene bien. Realmente mucho más que bien.
Inmediatamente empiezo a recordar que  cuando era pibe lo escuché por primera vez por la radio en El Tren Fantasmaen la tranquila oscuridad de mi cuarto.
A pesar del sonido elemental que teníamos disponible los adolescentes promedio en 1975 eso no era obstáculo para que esa música nos hiciera soñar. 
Y aquí estoy ahora, en un ambiente completamente desconocido, dispuesto a vivir un experiencia sonora en 360 grados a una temperatura agradable, con un disco que "me sé de memoria". 
Y me pregunté: ¿qué tiene de especial escuchar música en 5.1 hoy? ¿Qué tiene de especial hacerlo en la oscuridad? 
Tuve que tener esta experiencia para respondérmelo. Al final de la audición las preguntas que otros que compartieron la experiencia le hicieron a Alejando Cardozo me dieron respuestas adicionales. 
Ahí caí en la cuenta que: 
Había jóvenes que no conocían a Pink Floyd.
Había otros que creían conocerlo, pero no conocían Wish You Were Here.
Había diferentes grados de "conocimiento" sobre la obra que acabábamos de escuchar.
Muchos no tenían equipos 5.1 (o no de la calidad del usado para la audición). 
Otros no tenían noción siquiera de lo que es estereofonía (ni cuadrafonía, claro).
Eso a pesar que haber crecido en medio de sonido estéreo. Pero no hay conciencia de lo que significa Estéreo.
Y diría que casi todos escuchan, como yo, música todo el día, pero con diferente grado de concentración.
La mayoría como una forma de compañía en segundo plano. 
Algunos estudiando o leyendo. Escuché decir a Hugo Guerrero Marthineitz que eso es imposible... ¿a vos qué te parece? ¿Podés disfrutar de la música, nota a nota, metiendo ideas impresas por tus ojos a la vez..? ¿Podés escribir cuando Robert Fripp te habla con su guitarra o en cambio tu mente es llevada por el espacio fuera de tu cuerpo?
¿Cuánto hace que no escuchás música en total oscuridad y solamente eso? 
Ese es mi objetivo diario: escuchar la música con total nitidez, muy fuerte y sin embargo sin aturdirme... sentir la presencia sin nada que me distraiga.
Conclusión corta y fundamental: oir música en la oscuridad te permite escuchar realmente.

Como el tema da para mucho dicidí dividir la reseña en dos partes.

1) Algunas cosas relacionadas con Sonido 360 y Teatro Ciego
2) Wish You Were Here propiamente dicho
Como la fuente sonora era un Super Audio CD (SACD) busqué mucho y traduje la mejor reseña que encontré. Se trata de Pink Floyd's Wish You Were Here: SACD review and interviews including James Guthrie, escrita por Paul Powell Jr, el 22 de Diciembre de 2011. Recomiendo leerla en su idioma original (y espero que si algo no concuerda con el original me lo hagan saber).
Cuando aparece el tetagrámaton WYWH se refiere a este disco.
La dividí en secciones. 
A) Presentación del SACD
B) Entrevista a CHAD KASSEM 
C) Entrevista a JAMES GUTHRIE  
D) Consideraciones sobre sobre lo analógico y lo digital  que no debemos ignorar para que sepamos qué escuchamos (si estamos escuchando)
E) Reseña de "Wish You Were Here Super Audio CD"
F) Primera impresión al escuchar el SACD (Es exactamente lo que sentí en el Teatro Ciego pero explicado por un MAESTRO)
G) Comparativa entre WYWH SACD y otras ediciones; fuentes de información para la nota original. 



viernes, 3 de noviembre de 2017

Redbone - We were all wounded at "Wounded Knee" (1973)




Yo solía escuchar las listas de éxitos en un  pequeño transistor allá por los años setenta, y recuerdo que esta fue una canción que me impactó muchísimo desde que empezó a sonar en España. Ellos se convirtieron enseguida, para mi, en los Crosby, Stills, Nash  & Young indios. Me parecía fantástica la amalgama de rock y música sioux que proponían. Y la canción... no era la típica canción ligera que en poco tiempo se olvida. Se trata de un tema con un gran trasfondo histórico,  que nos pide que no permitamos que nunca se olvide lo que ocurrió cierto día en Wounded Knee...







Tema: We were all wounded at Wounded Knee
Artista: Redbone
Año: 1973
Género: pop rock, étnico
Duración: 3:17
Nacionalidad: norteamericana




Alineación:
Lolly Vegas / lead guitar, electric sitar, leslie guitar, vocals
Tony Bellamy / rhythm guitar, wah wah guitar, piano, vocals
Pat Vegas / bass, fuzz bass, vocals
Butch Rillera / drums, background vocals











El Chapman Stick: buscando la ejecución perfecta


El Chapman Stick es un instrumento de cuerdas creado en el siglo XX que está adquiriendo popularidad no solamente entre los guitarristas y bajistas, sino en el gusto del público también, que es el complemento necesario para que el músico se sienta estimulado a adquirir el instrumento y perfeccionar su técnica. Es muy usado en el progresivo ecléctico, siendo tal vez su intérprete principal Tony Levin, de King Crimson.





Es muy ilustrativa la nota de Lisset Montes, “Michael Bernier es de los pocos músicos expertos en el Chapman Stick, que aparece en Noisey, de México. 
De ella transcribo algunas ideas, a continuación del video, en el que vemos a Michael Bernier junto a Richie DeCarlo
(Michael Bernier fue integrante de Stick Men, junto a Tony Levin y Pat Mastelotto).



martes, 31 de octubre de 2017

¿Por qué tiene tanto éxito la derecha hoy en día?



No acostumbro escribir sobre lo que algunos definen como temas políticos, aunque siempre mis reseñas, aún las musicales, han tenido un fondo en las necesidades humanas. La necesidad de crear música y de disfrutar de esa música me llevó a escribir en este Blog. Sin embargo en las notas sobre Desobediencia Civil hay una aproximación a lo que se llama política. La Política surgió de la necesidad humana de organizarse y es la base de nuestra Sociedad. Es lo que ha dado poder al verdadero Pueblo, al organizarlo y hacerlo crecer a través de la educación y el trabajo. En su principio se trató de que cada persona fuera un ente independiente pero intercomunicado con el resto, compartiendo intereses basados en su cultura. Y creo que es por eso que ahora la tendencia anti política esta siendo alimentada dentro de ese mismo pueblo, como un veneno que lo debilita y atonta, para que no tenga fuerzas para subsistir como pueblo, sino que sea un rebaño sumiso, listo para el matadero.
Cuando se proscribe a un artista como Bruno Arias en su propia tierra, en la provincia de Jujuy (República Argentina), por opinar diferente que el partido gobernante, creo que todos estamos en problemas.



Lo peor es que este tipo de persecución a los artistas que piensan diferente que el poder establecido, aunque es generada por trolls, crece y es llevada a cabo por gente de su misma clase social, como hemos comentado en otras reseñas.

domingo, 29 de octubre de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (4ª Parte) El Sintetizador Moog


Me pasaron esta reseña y me gustó mucho, así que la comparto con El Canario y nuestros recíprocos amigos.

En esta reseña sobre el sintetizador Moog comienzo por lo que había pensado decirte al final. Y hay una buena razón para ello. Así que voy a explicarte que estás viendo un tipo de fuente que nunca he usado en este Blog. Tal vez no la hayas visto en casi ningún lado. Se llama Moogdula. Fue creada por Angeles Moreno (que tuvo la gentileza de enviármela), y usada en la película Moog, de 2004, realizada por Hans Fjellestad, que verás al final de la reseña.
¿Qué por qué he usado esta extraña letra? Pues porque para mi no lo es en absoluto. No solamente no me parece extraña sino muy hermosa y pertinente al tema tratado. Porque justamente responde al tipo de mente que compartían los creadores del Sintetizador Moog, Robert Moog y Herbert Deutsch (en la foto del encabezado). El tipo de pensamiento que originó este Logo como símbolo inconfundible.


Si estás aquí para leer sobre el Sintetizador Moog seguramente compartes algo de esa mentalidad innovadora y te agradará leerla en este formato.
He tenido que dejar toneladas de información afuera de la reseña (con la esperanza de utilizarla en otro momento), pero espero que lo publicado aquí sea de tu agrado.
Para muchos de nosotros esta historia comenzó con un video como este de la BBC, del programa Tomorrow's World.



jueves, 26 de octubre de 2017

Vashti Bunyan - Just Another Diamond Day (1970)




Una obra llena de sensibilidad y de amor por la vida. Canciones susurradas que hablan de los campos de amapolas mecidos por el viento. De las biografías de millones de guijarros  arrastrados por un río. De una chica que recorrió Escocia cabalgando detrás de una ilusión... y de como un sueño puede llegarse a realizar de forma inesperada, mucho tiempo después de haberlo dejado de soñar. 





Artista: Vashti Bunyan                                                               
Álbum: Just Another Diamond Day
Año: 1970
Género: canción de autor, folk psicodélico
Duración: 40:04
Nacionalidad: británica



Lista de Temas:

01. Diamond Day
02. Glow Worms
03. Lily Pond 
04. Timothy Grub
05. Where I Like To Stand (Bunyan/John James) 
06. Swallow Song 
07. Window Over The Bay (Bunyan/Robert Lewis) 
08. Rose Hip November 
09. Come Wind Come Rain 
10. Hebridean Sun (Bunyan/Lewis) 
11. Rainbow River  
12. Trawlerman's Song (Bunyan/Lewis) 
13. Jog Along Bess 
14. Iris's Song For Us (Bunyan/Wally Dix/Iris Macfarlane)

Bonus tracks:
15. Love Song (Cara B del primer single, 1966)
16. I'd Like To Walk Around In Your Mind (inédito, 1967) 
17. Winter Is Blue (inédito, 1966)
18. Iris's Song Version Two (versión alternativa, 1969) (Bunyan/Wally Dix/Iris Macfarlane)


(todos los temas fueron escritos por Vashti Bunyan, salvo: 5, 7, 10, 12, 14)


Alineación:

Vashti Bunyan / voz, guitarra acústica
Christopher Sykes / piano, órgano
John James / dulcitone
Robin Williamson / violín, silbo, arpa irlandesa (08,13)
Dave Swarbrick / violín, mandolina (05,09,14)
Simon Nicol / banjo (05,09,14)
Mike Crowther / guitarra (17)
Robert Kirby / arreglos de cuerdas y flauta dulce (01,06,11)
Joe Boyd / producción, notas en la cubierta del álbum




                 

                  



lunes, 25 de septiembre de 2017

Ludovico Einaudi - Stanze (1992)


Es raro que un disco de música minimalista me llame la atención, sinceramente. Este es uno de los pocos que lo han conseguido. Pero es que quién compone los temas es Ludovico Einaudi, que en este disco abandona su piano para ceder el protagonismo al arpa de Cecilia Chailly.
Verdaderamente un buen disco. Mucho más que música New Age.



Artista: Ludovico Einaudi
Álbum: Stanze
Año: 1992
Género: New Age, minimalismo, Musica Atmosférica
Duración: 55:46
Nacionalidad: italiana


Lista de Temas:
01. Notte
02. Calore
03. Moto
04. Calmo
05. Vega
06. Onda
07. Contatti
08. Respiro
09. Lento
10. Attesa
11. Cadenza
12. Orbite
13. Moto Perpetuo
14. Cerchio
15. Ritorno
16. Notte



intérprete: 
Cecilia Chailly / arpa eléctrica








miércoles, 20 de septiembre de 2017

Anja Garbarek – Briefly Shaking (2006)



La música no fue nunca su interés principal: en su lugar estudió cine y teatro; sin embargo fue criada en un clima de amor a la música desde muy pequeña, y esta siempre estuvo muy presente en  su  hogar. Eso hizo que en ella también se despertara el deseo de  componer y  cantar. Aquí tienen, en este Briefly Shacking un buen ejemplo de su arte.






Artista: Anja Garbarek
Álbum: Briefly Shaking
Año: 2006
Género: Trip-Hop, Downtempo, Electrónica, crossover prog
Duración: 39:15
Nacionalidad: noruega



Lista de Temas:

01. Born That Way
02. Dizzy with Wonder
03. Last Trick
04. Sleep
05. Shock Activities
06. Yes
07. My Fellow Riders
08. Can I Keep Him?
09. This Momentous Day
10. Still Guarding Space
11. Word Is Out 


Alineación:

Anja Garbarek / sax, vocals
Gisli Kristjansson / organ, synthesizer, bass, guitar, percussion, drums, keyboards, programming, Theremin, xylophone, melodica, Handclapping, noise, wurlitzer, effects
John Mallison / banjo, guitar, piano, programming
Øyvind Brække / trombone
Richard Cottle / Hammond
Erland Dahlen / drums
Miguel Diaz de Lopez / sampling
Frode Haltli / accordion
Kjetil Steensnæs / guitar
Terry Thomas / guitar
Godfrey Wang / piano
Steven Watts / bass
London Session Orchestra / strings